Die weitreichenden Auswirkungen globaler Vernetzung – historisch, ökonomisch, politisch wie kulturell - dringen heute bis in die Alltags- und Intimsphäre jedes Einzelnen vor. Gleichzeitig gewinnen Positionen an Zulauf, die auf Konzepten einer homogenen nationalen, kulturellen Identität basieren. Die Ausstellung stellt sich dieser Entwicklung und begibt sich auf die Suche nach Gegenentwürfen. Sie erkundet die Textur transnationaler und fluider Identität und formuliert ästhetisch neue und komplexe Bilder eines fragmentierten Selbst.

Ausgehend vom kunsthistorischen Sujet der Interieurmalerei versammelt „Innenleben“ mit Njideka Akunyili Crosby, Leonor Antunes, Henrike Naumann, Adriana Varejão vier Künstlerinnen, die in ihrem Werk dem Verhältnis von Innen und Außen nachspüren. Ob als imaginäres oder reales Setting, als Metapher oder konkreter Schauplatz intimer sozialer Handlungen – der Innenraum tritt dabei in seinem Potential zu Tage, den gesellschaftlichen und politischen Zeitgeist zu reflektieren und zu verändern.

Die Künstlerinnen sind international etabliert und ihre Werke hochaktuell. Gerade in diesem Jahr, zum 30-jährigen Jubiläum des Mauerfalls, hat Henrike Naumann eine Vielzahl an Präsentationen und erhält große mediale Aufmerksamkeit. Njideka Akunyili Crosby und Leonor Antunes werden auf internationalen Biennalen gezeigt und von namhaften Institutionen in Einzelausstellungen gewürdigt. Adriana Varejão wird bereits als eine der wichtigsten Positionen brasilianischer Gegenwartskunst angesehen. Umso erstaunlicher ist es, dass die Arbeiten von Njideka Akunyili Crosby und Adriana Varejão erstmals in musealem Rahmen in Deutschland präsentiert werden.

Trotz der formal divergierenden Arbeitsweise der Künstlerinnen, und ihrer völlig unterschiedlichen kulturellen wie sozialen Herkunft, verbindet sie ein zentrales Anliegen: die Frage nach der Bedeutung von Kosmopolitismus in der heutigen Gesellschaft, dessen Vertreter sich mit allen Teilen der Welt in Beziehung und damit auch in der Verantwortung sehen. Mit ausgeprägtem historischen Bewusstsein zeigen die Künstlerinnen ihr Verwobensein mit der Welt auf und arbeiten die Auseinandersetzung mit globaler Geschichte als eine der zentralen Herausforderungen des Jetzt heraus. Den inhaltlichen Bezugspunkt und die gemeinsame visuelle Referenz bilden dabei die konkreten Elemente des Innenraums - als räumlich manifestierte Erweiterung des Einzelnen. Im Innenraum als Keimzelle treffen Zugehörigkeit und Abgrenzung, nach innen gerichteter Nationalismus und kulturell offenes Weltbürgertum, Verstrickung in Geschichte und gesellschaftliche Zukunftsvision aufeinander.

Njideka Akunyili Crosby (*1983 in Enugu, Nigeria) verhandelt in ihren meist großformatigen, dynamisch gemusterten und farbkräftigen Gemälden auf Papier das komplexe kulturelle Terrain, das sich aus einem Leben zwischen zwei Welten – ihrer Wahlheimat Amerika und ihrer Heimat Nigeria – formt. Inspiriert von Fotografie, Mode, Architektur und Design sowie ihrer eigenen Familiengeschichte zeigen Akunyili Crosbys Werke oft häusliche Räume. Die Szenen auf ihren Gemälden sind privater Natur, die Erinnerungen familiär – und doch weisen sie über den persönlichen Einblick und die private Sphäre hinaus und visualisieren ein neues afropolitisches Lebensgefühl. Auf subtile Weise entfaltet sich die politische Aufgeladenheit der Liebesbeziehung zwischen ihr, einer Nigerianerin, und einem weißen US-Amerikaner. Mehrfach taucht das Motiv des Sichtschutzes auf, der die beiden zärtlich einander zugewandten Partner im Inneren vor Blicken von außen schützen soll. Crosby entwickelte für ihre Werke eine eigene Drucktechnik mit Aceton, die es ihr erlaubt Malerei, Collage und Fotografie auf faszinierende Weise zu verbinden. Sie ist mit elf, teils mehrteiligen Werken vertreten, darunter eine neue Produktion eigens für diese Ausstellung.

Für Leonor Antunes (*1972 in Lissabon, Portugal) stehen Migration und Transformation von Formen und Ideen, ihre Ausbreitung über zeitliche und geografische Grenzen hinweg im Zentrum. Ausgangspunkt für ihre eleganten Skulpturen und Interventionen ist die Auseinandersetzung mit Kunst, Design und Architekturgeschichte. Vor allem das gesellschaftstransformierende Potential der Moderne stellt eine Inspiration für sie dar; Künstlerinnen und Architektinnen der 1950er- und 1960er-Jahre, denen nicht zuletzt aufgrund ihres Geschlechts vergleichsweise wenig Beachtung geschenkt wurde, sind mit ihren Vornamen oder Initialen in Antunes‘ Werktitel sowie in ihrer formalen Sprache gegenwärtig: Anni Albers, Ruth Asawa, Lygia Clark, Franca Helg, Eva Hesse u.a.m. Die Zitate sind bei Antunes jedoch nicht als herkömmliche Hommage zu deuten, ihre Verweise unternehmen vielmehr den Versuch, sich mit einer anderen Zeit und den Wegbereiterinnen spezifischer Ästhetiken zu verbinden. Ihre Werkgruppe „discrepancies with C.S.“ (2017) besteht aus von der Decke herabhängenden Lichtelementen und ruft den italienischen Modernisten Carlo Scarpa in Erinnerung, ohne dessen Schöpfungen aus Muranoglas in irgendeiner Weise zu gleichen. Mit „alterated climbing form (I,II,III)“ (2017) wiederum hat Antunes die „Climbing Form“ der Mary Martin aus dem Jahr 1954 in ihr eigenes Werk integriert. Die vielteilige Skulptur aus Messingplatten und Seilen steigt, den nach Halt suchenden Ranken einer Kletterpflanze ähnelnd, hoch in den Raum. „discrepancies with A.A.“ (2019) rhythmisiert in Anlehnung an Anni Albers‘ Textilmuster korkfarben und schwarz eine weite Bodenfläche.